Ricevo e pubblico queste considerazioni sull’ interpretazione musicale scritte da Marco Gaudino, docente napoletano che collabora regolarmente con il mio sito.

L’ Interpretazione Musicale: un atto d’ amore e di fedeltà storica

In un’ epoca in cui la performance artistica è spesso intesa come espressione del sé, dove l’ interprete rischia di diventare protagonista assoluto, è importante tornare a riflettere sul senso più profondo dell’ interpretazione musicale: non come un modo per mettersi al centro, ma come un atto d’ amore e di responsabilità verso il compositore. Quando un autore mette su carta una partitura, non affida solo delle note o delle indicazioni tecniche: affida un frammento della propria interiorità, una visione sonora che desidera sopravvivere al tempo. Il compositore non scrive per essere sostituito, ma per essere ascoltato attraverso altri. Ogni segno musicale, ogni pausa, ogni dinamica è frutto di una scelta, spesso sofferta, e porta con sé una volontà espressiva ben precisa. In questo senso, l’ interprete autentico non è colui che impone la propria voce sull’ opera, ma colui che si mette in ascolto profondo, che si fa tramite, che “presta il fiato” a un pensiero che non è suo.

L’ atto interpretativo, allora, non è un atto creativo in senso libero o arbitrario, ma un atto di ricostruzione storica ed empatica. È un dialogo silenzioso tra epoche, tra sensibilità diverse, in cui l’interprete si pone con umiltà e rigore. Interpretare significa comprendere il contesto in cui l’ opera è nata, le intenzioni estetiche dell’ autore, la lingua musicale del tempo. Ma significa anche ascoltare le sfumature non scritte, entrare nell’ inesprimibile, in quella zona grigia tra nota e suono, dove la musica diventa esperienza vissuta. È qui che l’ interprete diventa davvero “creativo”: non nel reinventare, ma nel restituire. Non nel mettere sé stesso al centro, ma nel farsi canale trasparente di una visione altrui. In questo senso, ogni concerto non è un’ autocelebrazione, ma una resurrezione: il compositore, grazie all’ interprete, torna a vivere, a parlare, a commuovere. L’ interpretazione musicale, dunque, è un atto d’ amore. È un gesto di fedeltà – non cieca, ma consapevole – che riconosce nella partitura una presenza viva, non un pretesto per esibirsi. È un atto etico prima ancora che estetico: un rispetto profondo per l’ altro, per la sua voce, per la sua memoria.

In un mondo che spesso confonde la libertà con la superficialità e l’ originalità con l’egocentrismo, riscoprire questo significato alto dell’ interpretazione è più che mai necessario. Perché solo attraverso l’ ascolto dell’ altro possiamo trovare, paradossalmente, anche la nostra voce più autentica. L’ interpretazione nel canto, al violino, al flauto, al pianoforte – ogni strumento, e la voce stessa, nonché la direzione orchestrale, porta con sé sfide specifiche e possibilità uniche nel restituire quell’ atto d’ amore e fedeltà verso il compositore di cui si parla. Ecco qualche riflessione sulle peculiarità di ognuno, su come l’ interprete possa onorare l’ autore.

1. Il canto
Parola, testo e affetto
Il cantante non ha solo note, ma testi, poesia, significati linguistici: parole che parlano. Questo dà una responsabilità particolare: l’ interpretazione vocale deve curare la dizione, la comprensione del testo, l’articolazione. Non basta “cantare bene”: bisogna far arrivare il senso.
Timbro, respirazione, fraseggio naturale
La voce è organica nel senso più vero: cambia con l’ umore, la salute, l’ ambiente. Il cantante interpreta anche con il corpo, con il respiro, con le pause fisiche. Saper dosare il vibrato, scegliere il momento giusto per un crescendo vocale o un diminuendo, costruire la frase come se fosse parlata ma sublimata: tutto questo aiuta a restituire ciò che il compositore voleva comunicare, non per imitazione, ma per senso condiviso.
Tradizione vocale e stili storici
Pensiamo al bel canto, al barocco, al romanticismo: ciascuno ha un’ idea diversa della produzione vocale (l’ uso del vibrato, scuro/chiaro del timbro, l’ eloquenza, l’ impeto emotivo). Un cantante innamorato del compositore studierà le fonti storiche, i trattati di epoca, le testimoniante su come si cantava all’ epoca, per non forzare mezzi stilistici moderni dove non servono.

2. Il violino
Controllo dell’ arco, articolazione, attacco
Il violino ha un linguaggio molto vicino alla voce, con la capacità di imitare la linea vocale, ma anche di fare molto altro: sfumature, microdinamiche, variazioni di colore timbrico con l’ arco, cambiare la pressione, la velocità, la posizione del contatto col suono. L’ interprete violista o violinista può usare queste sfumature per costruire “parole” senza parole.
Vibrato, intonazione, fraseggio
Il vibrato del violino può aiutare ad aggiungere espressività (calore, nostalgia, pathos), ma l’ uso dev’ essere sensato: troppo può diventare manierato, poco può sembrare distaccato. L’ intonazione è centrale: il violinista deve stare attento non solo alla precisione tecnica ma anche ai toni e alle alterazioni dell’ epoca, al temperamento, al contesto — tutto questo influisce su come l’ opera “suonava” quando è stata composta.
Dialogo con il compositore tramite strumento e stile
Nel violino si vedono anche gli indici di stile: se è musica barocca, il suono, l’ arco, la pronuncia dello staccato, le ornamentazioni. Se è romantica, i legati, la libertà di fraseggio, l’ espressività, l’ intensità dinamica. Un buon interprete non è generico, ma specifico: rispetta il “linguaggio” che il compositore conosceva, e da lì costruisce la propria concezione.

3. Il flauto
Respiro e fraseggio
Come nel canto, il respiro è fondamentale. Il fraseggio fluido al flauto richiede una padronanza del controllo dell’ aria, della pressione, della linea melodica senza forzare. Il fraseggio deve “respirare”, non sembrare meccanico o separato dalle idee compositive.
Timbro, colore, registro
Il flauto ha registri diversi – il registro acuto, medio, basso – ognuno con caratteristiche diverse di calore, luminosità, proiezione. Un flautista attento saprà usare questi registri non come semplice scala, ma per differenziare stati d’ animo, per creare momenti di tensione, di intimità, di slancio.
Ornamentazione, stile barocco / classico vs romantico e moderno
Molta musica per flauto contiene ornamenti (trilli, appoggiature, abbellimenti) che non sempre sono completamente specificati nella partitura. Un flautista che ama il compositore studierà come si ornamentava nella sua epoca, leggerà fonti, ascolterà registrazioni storiche, per capire quali abbellimenti sarebbero appropriati, evitando però di cadere nell’ arbitrio puro.

4. Il pianoforte
Polifonia, equilibrio tra voci
Il pianista spesso ha più linee: accompagna, dialoga, accenna melodia e armonia insieme. Un buon interprete deve saper far emergere le voci giuste nei momenti giusti, dare loro rilievo, farle “parlare”. Nei brani romantici o virtuosistici questo significa saper bilanciare la brillantezza tecnica con la chiarezza espressiva.
Rubato, tempo, dinamiche
Il pianoforte, specie nei brani da solo, permette una grande libertà espressiva: piccole fluttuazioni del tempo (rubato), variazioni dinamiche sottili, uso del pedale, sfumature che cambiano con l’ interpretazione. Anche qui: la sfida è usare queste libertà come mezzo, non come esibizione. Il rubato che colpisce è quello che serve il fraseggio, non quello che mostra la mano veloce.

Stile storico, strumenti storici, manoscritti
Come per gli strumenti a fiato e ad arco e per la voce, anche per il pianoforte vale studiare lo strumento che il compositore conosceva: strumenti fortepiano, nelle – se disponibili – differenze nel peso dei tasti, nella risposta all’ attacco, nel pedale. Edizioni urtext, fonti manoscritte, note originali: tutto questo aiuta ad “avvicinarsi” alla visione originaria. Anche i documenti – lettere, prefazioni, indicazioni editoriali – possono dare luce su come il compositore si aspettava che l’ opera fosse resa.

Convergenze e differenze
Tutti questi approcci interpretativi condividono la tensione tra fedeltà al compositore e espressione personale. Non è un dualismo da risolvere con formule rigide, ma una dialettica: chi interpreta ama l’ autore non annullandosi, ma trasformando con rispetto la partitura in suono vivo. La voce e gli strumenti “lineari” (violino, flauto) tendono ad avvicinarsi più al canto naturale, più a una dimensione “umana” del fraseggio; gli strumenti “polifonici” (pianoforte) debbono affrontare più complessità strutturale. Ma tutti possono “cantare” se vogliono: far sentire arco, fiato, respiro, frase come linea espressiva. Ciò che l’ eco storico porta è costituito da pratiche esecutive antiche, trattati, testimonianze, documenti; non per imitare, ma per comprendere ad esempio che tempi venivano adottati, che strumentazioni, che sonorità, cosa si intendeva per “bel suono”, per “espressivo”, per “virtuoso”. Questo contesto arricchisce l’ interpretazione, la rende più misurata, più consapevole.

5. Il ruolo del direttore d’ orchestra
Nell’ interpretazione musicale è centrale e complesso: non si limita a “tenere il tempo”, ma influisce profondamente sul modo in cui un brano viene eseguito e percepito. In sostanza, è una figura artistica, tecnica e comunicativa, ponte tra la partitura e l’orchestra, tra il compositore e il pubblico.
Ecco una panoramica dei suoi compiti principali:
A. Interpretazione della partitura
Il direttore studia a fondo la partitura, analizzando armonie, dinamiche, fraseggi, articolazioni e struttura; fa scelte interpretative: tempi, agogica (variazioni espressive di tempo), accenti, respiri musicali, rubato, può valorizzare aspetti nascosti o meno evidenti del testo scritto; cerca di rispettare l’ intenzione del compositore.
B. Guida e coordinamento dell’orchestra
Durante le prove e l’ esecuzione, il direttore coordina i musicisti in tempo reale; indica entrate, cambi di tempo, dinamiche, accenti; cura l’ equilibrio sonoro tra le sezioni (archi, fiati, percussioni…); reagisce e adatta l’ esecuzione in diretta, anche in risposta ad acustica, imprevisti o pubblico.
La comunicazione è principalmente non verbale (gesti, sguardi, postura), ma deve essere efficace.
C. Leadership artistica
Il direttore è anche un leader artistico: motiva, ispira, unifica l’ ensemble; fa scelte su come strutturare un programma, come legare i brani, come trasmettere un certo messaggio musicale.
La fiducia reciproca tra direttore e orchestra è fondamentale: un direttore autoritario ma poco comunicativo può compromettere il risultato; uno rispettato e sensibile può elevare l’ orchestra a un livello superiore.
D. Interfaccia con il pubblico e il mondo esterno
A volte, il direttore introduce i brani al pubblico, costruisce un percorso culturale e musicale.
È anche figura pubblica: rappresenta l’ orchestra nel mondo, cura immagine, visione artistica e collaborazione.

In conclusione, l’ interpretazione musicale, per quanto fedele possa essere al pensiero dell’autore, non è una mera riproduzione tecnica, ma un atto creativo che unisce competenza, sensibilità. Attraverso di essa, l’ esecutore dà nuova vita alla partitura, instaurando un dialogo profondo tra compositore, performer e ascoltatore.

Marco Gaudino